Les idées les plus folles sont parfois les plus lumineuses !

Le 22 mai prochain, c’est le bicentenaire de la naissance de Richard Wagner : imaginez que ce jour-là, les rues se gonflent d’une aura toute Wagnerienne, que le ciel s’illumine soudainement du génie du compositeur allemand et que les villes du monde entier, un instant,  suspendent leurs trépidantes et modernes activités pour murmurer, chanter, danser ou siffler Richard Wagner, en un mot, que le monde s’arrête pour rendre un hommage vivant au plus génial des compositeurs (toute objectivité mise à part, bien entendu ^^ ) !

C’est ce dont rêve #ChanterWagnerDansLaRue , dont l’idée est simple : chanter, remixer ou siffler un air de Wagner, le jour du bicentenaire de sa naissance, où que l’on soit, et filmer sa performance (déguisés pour les fans les plus timides ou les plus créatifs,  ou à visage découvert pour les plus téméraires.. Mais vous pouvez aussi filmer vos pieds ou faire un dessin-animé, après tout). Que la performance soit réussie, drôle, décalée ou autre, partagez-la sur twitter en utilisant le hastag #ChanterWagnerDansLaRue ou sur la page Facebook /WagnerInTheStreet en copieant votre IRL You-Tube dans la playlist collaborative (si vous ne possédez pas de compte gmail/You-Tube, envoyez votre vidéo à ChanterWagnerDansLaRue@gmail.com !

Pour commémorer, dans un élan musical commun, l’auteur des incontournables Siegfried, Parsifal ou autre Tristan Und Isolde, vivez le mercredi 22 mai à l’heure Wagner !

Le groupe s’est donc créé une page Facebook, un compte twitter, et une playlist collaborative où chacun pourra mettre en lien sa video (http://b00mbox.com/bb_box.php?id=adab825ebf956ce2) : rien ne peut ainsi vous échapper de la formidable entreprise, folle et délirante, de ces fans de la musique Wagnérienne !

Totalement conscients de l’aura universelle du grand bonhomme, le groupe d’inconditionnels wagnériens a même traduit en anglais et en allemand chaque appel à la fête !!!

Tout est expliqué ici, sur un air de conquête (Une walkyrie entêtante, signe d’un événement à venir incontournable!) : soyez au rendez-vous, Wagner n’aura pas de nouveau  200 ans de si tôt !

Révisez vos classiques, imaginez, osez, faites renaitre Siegfried, Parsifal, Brunnhilde, Tannhauser ou Isolde : le héros sommeille en vous, il ne vous reste qu’à le réveiller !

Sur Facebook, venez participer à l’évènement ici : https://www.facebook.com/events/474203235967695/

Sur Facebook toujours, suivez la page « WagnerInTheStreet » ici : https://www.facebook.com/WagnerInTheStreet

Sur Twitter, suivez le compte @Wagner_200 et parlez de l’événement avec le Hashtag #ChanterWagnerDansLaRue (ou même en anglais #SingWagnerInTheStreet)

Les exemples sont légions des adaptations de Bandes-Dessinées et de Comics, mais lorsque l’auteur lui-même s’y colle, avouons qu’on y accorde un regard tout particulier, mi-rassuré, mi-inquiet… Oblivion est l’adaptation de Joseph Kosinski de son propre roman graphique. Tom Cruise sur l’écran, gros budget (140 millions de dollars), l’intime de son roman graphique s’évanouit un peu derrière la perfection visuelle et l’application scénaristique.

L’Opéra de Paris donnent au spectateur la chance infinie de voir coup sur coup les incontournables L’Oiseau de feu de Maurice  Béjart, L’après-midi d’un faune de Vaslav Nijinski et Afternoon of a faun de Jérôme Robbins. En prime, la très attendue création de Sidi Larbi Cherkaoui et Damien Jalet autour du Boléro conclue la soirée : les deux jeunes chorégraphes seront-ils à la hauteur de leurs illustres prédécesseurs ? La rupture sera-t-elle aussi intensément géniale que celles impulsées par les prestigieux Béjart, Nijinski ou Robbins ? Retour sur une soirée en forme de « tétralogie » historique de la danse, quand la syncope finit, avec le temps, par prendre la forme de référence.

De la modernité à la postérité. Entre révolutions et audaces. La musique de Debussy, Ravel et Stravinsky bouleversa les codes, rompit avec la « tradition » romantique, jusqu’à provoquer parfois, de vives réactions de scepticisme ou de rejet. Puis elles devinrent incontournables. La danse s’en est évidemment emparée, provoquant à son tour un bouleversement, de Béjart à Nijinsky et Robbins. Les lectures des œuvres de ces audacieux compositeurs par ces talentueux chorégraphes aboutit en leurs temps à des créations authentiques, brisant à leur tour les habitudes esthétiques de leur époque. Du choc sexuel de Nijinski sur L’après-midi d’un faune à la lecture condensée de L’oiseau de feu de Béjart, axé davantage sur l’évocation que sur la narration, en passant par la transposition intimiste de Robbins pour Afternoon of a faun, les créations osées ont toujours été aussi novatrices qu’elles ont été moteur. En fin de programme, la création de Cherkaoui et Jalet sur le Boléro (passer après celui de Béjart, beau défi) promettait beaucoup : l’espoir d’être les dignes héritiers de ces précurseurs, celui d’oser la rupture, non pas pour idolâtrer celle-ci sans autre but, mais au contraire, pour poser les bases d’une nouvelle voie… Grand défi, grandes attentes. Convaincus ? Disons étonnés et surpris… Mais n’est-ce pas là le début de la réussite ?

1/ L’oiseau de feu – Igor Stravinsky (Version suite pour orchestre de 1919) - Chorégraphie de Maurice Béjart – 22 minutes

L’oiseau de feu : Mathias Heymann (Etoile) / L’oiseau Phenix : Allister Madin

La 190ème représentation du mythique Oiseau de feu de Béjart fut une merveille éblouissante ! On a toujours un peu peur qu’elle vieillisse mal, que les quelques mouvements de mains paraissent ridicules, que les « échanges de masques » en ronde semblent obsolètes. Et puis, finalement, non, on est à chaque fois soufflé par ce concentré d’énergie, de Russie, de cohésion et par cette fascinante occupation de l’espace ! Matthias Heyman, en oiseau de feu, en fait beaucoup : c’est un oiseau très maniéré… Certes, on ne demande pas à un oiseau d’être viril mais celui-là nous semble particulièrement délicat… Qu’importe, il parvient à insuffler à ce ballet énergique quelque chose de grand, à la hauteur du défi Stravinsky ! Le superbe final, avec l’oiseau phénix (très bon Allister Madin -mais on a envie de lui demander d’oser s’imposer un peu plus!-) est toujours aussi grandiose : à la limite entre contorsion, cirque ou performance, l’ensemble rend l’œuvre de Béjart incontournable !

2/ L’après-midi d’un faune - Claude Debussy (Prélude à l’après-midi d’un Faune) – Chorégraphie de Vaslav Nijinski – 12 minutes

Le Faune : Stéphane Bullion (étoile) / La Nymphe : Stéphanie Romberg

On ne se lasse jamais de voir et revoir L’après-midi d’un faune, avec l’espoir toujours un peu coquin de ressentir l’obscénité animale qui s’en dégage, ce côté provocateur, sexuel. Certes, la chorégraphie de Nijinski est d’emblée sulfureuse, en substance. Mais on attend surtout un danseur chargé de testostérone, qui apporte un peu de perversité à son jeu, comme Noureev ou récemment Le Riche ont su le faire. Ici, Stéphane Bullion manque un peu de tout ça pour nous satisfaire pleinement… On reste sur notre faim, même si le plaisir reste toujours intact.

3/ Afternoon of a faun – Claude Debussy (Prélude à l’après-midi d’un Faune) – Chorégraphie de Jerome Robbins – 12 minutes

Karl Paquette (étoile) / Amandine Albisson

La succession des deux œuvres est ingénieuse : elle permet une comparaison systématique inévitable (on passe sur l’orchestre, qui joua moins bien ce prélude que le même prélude qu’ils ont joué 12 minutes plus tôt !). De quoi est rempli l’air de ce studio de danse -décor de toile blanche sur le plateau- dans lequel évoluent deux danseurs en guise de faune et de nymphe ? Pas de cette électricité sexuelle et de ce brin de malice perverse qui règne dans la version Nijinski. Ici, les échauffements et autres jeux de séduction des deux danseurs face à un miroir factice (qui leur permet d’être face spectateurs) évoquent davantage la sensualité… Karl Paquette est très bon, très beau aussi (pose lascive sur le sol) et Amandine Albisson assure très bien la réplique, un brin séductrice (la véritable faune, ce ne serait pas son personnage, tiens ?). En réalité, avouons que ce prude Afternoon of a faun (qui se termine par un « petit bisou » du danseur à la danseuse) ne parvient pas à nous extirper de l’excitation qui nous envahit à l’approche de la dernière pièce de la soirée : le Boléro, création attendue ! (et attendue au tournant aussi!)

4/ Boléro – Maurice Ravel – Chorégraphie de Sidi Larbi Cherkaoui et Damien Jalet – Scénographie de Marina Abramovic

Enfin… Après un deuxième entracte de 20 minutes, l’excitation est à son comble… Verdict !

Ca tourne, ça tourbillonne ! Le cycle est continu, interminable, les figures se répètent et s’enchainent avec fluidité, les danseurs passant sans jamais cesser de tourner d’un partenaire à l’autre : les onze danseurs s’entrecroisent, se mêlent et se mélangent sans aucune rupture. Les quinze minutes du Boléro, dans cette création très attendue de Sidi Larbi Cherkaoui et Damien Jalet, font figure de « transe » intense, d’extase permanente, de catalepsie ininterrompue. Ce Boléro fait appel à la plus viscérale des forces, celle qui pousse le corps au-delà de la raison. Marina Abramovic, icone de la performance, évoque « la vie, la mort, la jalousie, l’amour, la haine, l’érotisme... » à l’écoute de l’œuvre de Ravel, elle ressent quelque chose « d’électrique« . Tout ça l’amène à considérer ce morceau incontournable comme une œuvre où se dégage « une élévation spirituelle« .

Avant que l’orchestre n’entame les premières notes, les onze danseurs pénètrent, vêtus de capes noires, frappant le sol au rythme du tempo du Boléro. Ils finissent par se « rencontrer », après quelques pas sur le plateau sans se trouver, lorsque la musique commence : les capes tombent (celle d’Aurélie Dupont en premier ? info tenue par Danse Avec La Plume – Voir son avis) et l’ensemble commence un longue danse, où les couples s’entrecroisent (le genre est aboli : les hommes dansent aussi avec les hommes, les femmes avec les femmes, les mêmes mouvements sont effectués par tous, jusqu’à ne plus reconnaitre, parfois, qui d’un homme ou d’une femme, effectue un mouvement, qui devient alors subitement universel).

Jamais pourtant -et contrairement à son illustre référence, le Boléro de Ravel- l’œuvre de Cherkaoui/Jalet n’est conçue comme une catharsis, une sorte de montée quasi-orgasmique qui se conclue par une coda grandiose. Le seule changement de ton de l’œuvre, à une minute de la fin du morceau, et qui est pourtant sa seule rupture (et donc élément incontournable) n’est pas reproduite sur scène par une quelconque scission, si ce n’est l’apparition d’un danseur en cape noire, alors que les autres s’étaient, au fur et à mesure, débarrassé de leurs oripeaux (d’abord les capes, puis les jupes -hommes et femmes-) laissant apparaitre des costumes de squelettes, tels des êtres désincarnés.

Hormis cette différence d’alignement avec l’œuvre de Ravel, qui apporte une certaine frustration, force est de reconnaitre la formidable cohérence de la chorégraphie de Cherkaoui et Jallet avec celle du compositeur français : tout ici est cycles, répétitions presque hypnotiques. A l’instar des phrases musicales qui se répètent ad libitum dans le Boléro, les danseurs effectuent plusieurs mouvements qui se répètent, sans pour autant se distinguer les uns des autres de manière isolée. En cela, c’est un sans faute ! Par ailleurs, la scénographie d’Abramovic, faisant circuler des cercles de points sur le plateau, qui s’entrechoquent, et se transforment en vagues de points blancs, sur le sol et sur l’immense miroir incliné en fond de scène, adhère à l’idée de cette continuité infinie du mouvement. Ce miroir, en fond de scène, reflète les danseurs qui semblent alors s’envoler : on danse au sol, on danse dans les airs (la fumée au sol qui devient nuage sur le miroir), on tourne sur terre jusqu’à trouver l’envol, celui qui permet de fuir la pensée et d’être dans un état de « sensation » : l’expérience est quasi « chamanique », comme le souligne Abramovic. On peine a distinguer les  trois étoiles (Aurélie Dupont, Marie-Agnès Gillot, Jérémie Bélingard) qui composent la troupe. Mais pourquoi pas : aucun véritable soliste ici, on est confronté à un ensemble radicalement humaniste, à l’image de cet ensemble d’individualité qu’est le Boléro lui-même.

 L’œuvre de Cherkaoui/Jalet restera-t-elle une référence dans l’histoire, comme le sont devenues les œuvres qui l’ont précédé au programme de la soirée ? Le public applaudit vivement! Mais les critiques sont partagées. Ressortir du spectacle avec le sentiment d’avoir assisté à quelque chose de « différent », n’est-ce pas là la preuve de la réussite de ce duo de chorégraphes ? Le temps nous en dira plus…

Rick Panegy 

En 1939, la Metro-Goldwyn-Mayer produit l’un de ses films les plus chers de son temps en adaptant le conte pour enfants à succès Le Magicien d’Oz de l’auteur américain L. Frank Baum paru en 1900. Après un score moyen au box-office américain lors de sa sortie, cette comédie musicale qui suit l’aventure de la jeune Dorothée (Judy Garland) dans l’univers fantastique du pays d’Oz en Technicolor, va devenir l’un des films les plus vus aux Etats-Unis de tous les temps. Retour sur une légende.

Dorothée Gale vit au Kansas dans la ferme de sa Tante Em (Clara Blandick) et son Oncle Henry (Charley Grapewin). Alors qu’une menaçante tornade pousse sa famille à se réfugier dans un abri sous-terrain, Dorothée, laissée au dehors, se cloitre dans sa maison en compagnie de son chien Toto. La petite maison emportée par la tornade atterrit dans une contrée inconnue : Oz. Pour retourner chez elle, Dorothée devra se rendre chez un mystérieux magicien et affronter la méchante sorcière de l’ouest (Margaret Hamilton). En chemin, elle fera la connaissance d’un épouvantail sans cerveau (Ray Bolger), d’un bûcheron de fer sans cœur (Jack Haley) et d’un lion sans courage (Bert Lahr).

Aujourd’hui, Le Magicien d’Oz est sans conteste l’un des films les plus importants de le culture américaine. Diffusé tous les ans à la télévision US pendant la période de Noël depuis 1956, le film contribue à l’imaginaire collectif outre-atlantique, façonnant l’émerveillement et les peurs de plusieurs générations de jeunes américains. Pas étonnant venant de l’adaptation d’un conte de fée 100% américain loin des princesses et des chevaliers des contes européens. Ici, l’héroïne est une jeune fermière emportée par un cyclone du Kansas. Elle rencontre un épouvantail au milieu d’un champs de maïs et découvre que l’homme qui se cache derrière les traits du puissant magicien (Frank Morgan) n’est autre qu’un compatriote venu d’Omaha. Mais la force de cette histoire vient également du fait qu’elle assure une certaine continuité avec les contes traditionnels tant par sa structure que par certains de ses personnages comme la méchante sorcière de l’Ouest ou la bonne fée Glinda (Billie Burke). L. Frank Baum souhaitait écrire un conte de fée moderne focalisé sur le merveilleux et la distraction de ses jeunes lecteurs sans leur infliger les classiques ressorts moralisateurs et terrifiants des contes de fée européens où l’héroïne payait souvent de ses erreurs ou de ses mauvais choix.

Merveilleux, distrayant et très américain, la Metro-Goldwyn-Mayer se devait d’adapter le conte de L. Frank Baum pour célébrer les débuts du Technicolor. Elle y investira 2 millions de dollars pour sa production. Mais l’adaptation cinématographique de Victor Fleming  qui respecte l’ambiance et les principaux éléments de l’histoire originale, a procédé à ses petits remaniements pour y insuffler une morale toute hollywoodienne. Au début du film Dorothée fuit sa famille sans l’once d’un regret, c’est cette erreur qu’elle commet qui l’empêchera de se protéger du cyclone et l’enverra loin de chez elle au pays d’Oz pour qu’elle se rende compte du mal qu’elle cause à sa tante et vive une aventure parfois terrifiante. Dans sa ferme du Kansas, on lui fait également remarquer qu’elle choisit volontairement de rentrer tous les soirs de l’école en passant par un chemin qui la mène devant la maison d’Elmira Gulch. Un choix qui mène souvent son chien Toto à pourchasser le chat d’Elmira et qui précipitera le conflit qui la poussera à fuir la ferme. Il est d’ailleurs intéressant de voir que le film ne résoud jamais cette partie de l’intrigue qui ne figure pas dans le livre. L’ordre d’arrestation du Shérif à l’encontre du chien Toto court-il toujours lors de son retour/réveil à la fin du film ? La notion du rêve même est une invention du film par rapport au conte. En choisissant de montrer que Dorothée est assommée lors du passage de la tornade et en choisissant les mêmes acteurs dans la partie Oz en couleur (l’imaginaire) que dans la partie Kansas en noir et blanc (le réel), Noel Langley (en charge de l’adaptation) apporte une explication toute naturelle à l’aventure de Dorothée, laissant peu de doutes sur le fait qu’il s’agit en fait d’un rêve et non d’une contrée mystérieuse cachée quelque part comme dans le conte.

Le secret de longévité du succès de ce film réside sans doute en grande partie dans le fait qu’il s’agit d’un véritable conte de fée des temps modernes contenant les ingrédients les plus fascinants, à la fois merveilleux et terrifiants. Bon nombre d’épisodes angoissants des aventures de Dorothée hantent encore l’imaginaire collectif : la vilaine sorcière de l’Ouest qui interrompt la fête des Munchkins au début du film, les champs de coquelicots mortels, les premiers échanges impressionnants avec l’imposante figure du magicien d’Oz, la garde armée de la sorcière et son chant guttural, la boule de cristal qui retransmet l’inquiétude de la tante de Dorothée, l’écoulement du temps dans le sablier géant de la sorcière et surtout les dangereux singes volants. Certains de ces épisodes ont été purement inventés pour le film tandis que d’autres dans le conte ont été laissés de côté (l’araignée géante, la décapitation des loups par le bûcheron de fer…). Ces épisodes contribuent, comme dans tout bon conte de fée qui se respecte, et outre la possibilité pour les enfants d’exorciser leurs peurs, à rendre le merveilleux et le joyeux encore plus réconfortants : la ville miniature des Munchkins, l’arrivée de la bonne fée Glinda à bord de sa bulle de savon géante, la cité d’émeraude qui se profile au fond du paysage, les chaussons magiques en rubis (en argent à l’origine dans le conte, idée brillante de leur donner une couleur de pierre précieuse rouge répondant à l’émeraude verte du palais et au chemin de briques jaunes pour cette adaptation célébrant l’avènement du Technicolor) le tout mis en musique par les incontournables chansons d’Harold Arlen, dont le sacro-sainte classique Somewhere over the Rainbow. Le conte, comme le film, apprend aux plus jeunes que malgré les difficultés il existe un côté positif et de valeureux héros pour les surmonter, y compris sous les traits d’une enfant résiliente face à l’adversité (les premières rencontres avec le lion et le magicien, la sorcière) lorsqu’elle ou ses compagnons sont menacés. Sa bravoure philanthrope et dénuée d’égo (sa fugue du début pour sauver son chien, sa tristesse face au chagrin que sa disparition inflige à sa tante) va jusqu’au crime (elle tue les deux méchantes sorcières). Ces crimes sont tout deux indirectes ce qui évite toute question morale. Un conte initiatique sur l’entre-aide où chacun recherche quelque chose qu’il possède déjà en lui (le moyen de rentrer au Kansas pour Dorothée, l’intelligence pour l’épouvantail, le courage pour le lion et des sentiments pour le bûcheron de fer) pour enfin croire en soi-même sans individualisme ou matérialisme. En effet les objets remis par le magicien à la fin sont dénués de valeur marchande. C’est également un conte très féminin avec son personnage d’héroïne au centre de l’histoire face à son ennemie la sorcière. Ici les personnages masculins ne sont que secondaires et attachant, loin des allusions sexuelles et des antagonismes homme/femme de contes comme le petit chaperon rouge.

Véritable conte initiatique classique maintenant ancré dans l’inconscient collectif américain, Le Magicien d’Oz est aujourd’hui entré dans la légende du cinéma hollywoodien et a suscité depuis de nombreuses déclinaisons (films, romans, comédies musicales, dessins animés, bande-dessinées, jeux vidéos… sans parler du merchandising) jusqu’au récent prequel de Sam Raimi Le Monde Fantastique d’Oz produit par Disney.  Sans avoir remporté de récompense à l’époque de sa sortie, le film de Victor Fleming figure aujourd’hui sur de nombreuses listes de renom des films incontournables de l’histoire du cinéma (de l’American Film Institute à celle du magazine Rolling Stone en passant par celle du Vatican qui ne compte que 15 film dans sa catégorie Arts).

Philip Pick

Regarder la bande annonce en VOST du Magicien d’Oz de Victor Fleming (1939)

Le très rare Wong Kar-Wai revient, 6 ans après la relative déception My Blueberry Nights (2007) -incursion en demi-teinte dans le cinéma américain- avec un film aux allures d’épopée mélancolique, de poème visuel et de biopic romancé quasi-hagiographique. The Grandmaster est une merveille esthétique, que chaque scène illumine d’une parfaite beauté envoutante mais dessine, bien au-delà du simple objet plastique, et de son  récit parfois sinueux, un équilibre zen entre la beauté et l’histoire, une harmonie apaisante entre la culture chinoise  de la maitrise et le feu de la passion. Raison et passion guident The Grandmaster vers les sommets de la grâce, non sans laisser le spectateur parfois sceptique devant tant de contrôle, tant d’obsession de la perfection virtuose ; scepticisme parfois accru par la cohésion un peu décevante de l’ensemble.

Dans Chungking Express (1994), Les Anges Déchus (1995) ou Happy Together (1997), Wong Kar-Wai filmait déjà la passion contrariée, parfois impossible, parfois espérée mais toujours difficile, tout en habillant ses films d’une poétique mise en scène, laquelle faisait éclater un ton mélancolique sur l’ensemble de l’œuvre. L’apogée du style Wong Kar-Wai est atteint avec son inoubliable In The Mood for Love (2000). Depuis, force est de reconnaitre que le réalisateur hongkongais donne le sentiment de vouloir, systématiquement, reproduire la même magie… 

The Grandmaster offre la même maitrise graphique, les ralentis y étant sublimes, les ocres et les noirs et blancs de la photographie de Philippe Le Sourd touchent à l’idéal, la musique caresse toujours l’affliction la plus émouvante. Particulièrement, le travail de William Chang -un habitué des collaborations avec Wong Kar-Wai- est impressionnant : les costumes, les décors, le montage et l’ensemble technique sont un des éléments essentiels de l’impression de cohérence qui se dégage du film sur le plan artistique. Le montage son est savamment réalisé, ponctué de ruptures radicales, y compris au niveau de la musique, pour coller au récit chaotique et tumultueux des héros.

Passée cette fascination, qui frôle parfois l’émerveillement et l’envoûtement poétique, on peine à suivre avec intérêt l’histoire romancée d’Ip Man (Tony Leung Chiu Wai, de plus en plus charismatique, et toujours excellent), inspirée de l’histoire du vrai Ip man, le célèbre maître du non moins célèbre Bruce Lee. A travers ses rencontres avec Gong Er (Zhang Ziyi, radieuse -la véritable héroïne du film?-), La Lame ou Ma San, c’est tout le Kung-fu (son évolution, ses différents courants) que le réalisateur raconte sur fond d’histoire de la Chine du 20ème siècle… Les rencontres de ces héros solitaires, agrémentées de quelques combats de haut-vol, chorégraphiés par Woo-Ping Yuen (auteur déjà des chorégraphies des combats de Matrix, Kill Bill, Tigre et Dragon, Il était une fois en Chine…) apportent à cette histoire de rédemption et de recherche zen un côté super-héros élégants.

Toutefois, l’ensemble reste très disparate, entre kung-fu, histoire d’amour, film historique et introspection personnelle ; ce qui, au lieu d’aboutir à un film fresque, solide et cohérent, provoque un déséquilibre parfois déstabilisant. Malgré tout, la force poétique de Wong Kar-Wai est telle qu’il est impossible de ressortir sans être marqué par l’une ou l’autre des formidables scènes qui ponctuent régulièrement le film : certaines sont de véritables chefs d’œuvre isolés… Un patchwork de fulgurances, de joyaux du septième art, un puzzle d’images prodigieuses, repoussant les limites de tout esthète, mais un récit et un ensemble fragiles, presque confondus dans une cohésion indistincte. Un plaisir au goût de gourmandise, qu’importe l’imperfection de sa totalité ; The Grandmaster reste une réussite : parfois le tout est plus grand que la somme des parties, ici, c’est l’inverse et cela nous va aussi.

Rick Panegy

Jason Moore (metteur en scène de la comédie musicale Avenue Q à Broadway) réalise avec The Hit Girls la très très libre adaptation du roman Pitch Perfect: The Quest for Collegiate a Cappella Glory de Mickey Rapkin (rédacteur en chef de GQ Magazine aux USA) et qui, à l’origine, était tiré d’une histoire vraie. Le film est une sorte de mix insipide déjà vu entre les séries Glee (les filles chantent des reprises de tubes pop a capella), Greek (les filles débarquent à la fac et découvrent les joies des sororités) et la saga American Pie (Les filles vomissent en grande quantité). Cette adaptation digne d’un téléfilm, basée sur un scénario cousu de fil blanc (mais qui peut gagner le concours de chant de fin d’année?), n’a probablement de bon que les quelques trop rares répliques cinglantes et drôles de Rebel Wilson en Fat Amy (caution comique subversif du film en version jeune de l’hilarante Melissa McCarthy – Mes Meilleures Amies) lorsqu’elles ne sont pas englouties par le montage ou le jeu plat des autres Hit Girls chacune avec leur particularité stéréotypée (Anna Kendrick en ingénieuse ingénue, Brittany Snow décomplexée sous la douche, Anna Camp la psychorigide ou encore Ester Dean en lesbienne de service).

Véritable phénomène aux USA (le film a atteint la 3ème place du box office US et a déjà engrossé 110 millions de dollars dans le monde), il se peut qu’en France, seuls les amateurs de Glee ou de High Schooll Musical (s’il en reste encore ?) les moins difficiles puisse apprécier le film grâce à sa bande originale a cappella qui contient quelques reprises des tubes de la pop adolescente de ces dernières années dont celles, entre autre, de Rihanna (Don’t Stop The Music), Kelly Clarkson (Since U Been Gone utilisée sur une scène de casting assez drôle), Miley Cyrus (Party in the USA) ou Lily Allen (FYou) ainsi que quelques vieux tubes (règle obligatoire dans le genre et si possible en mashup pour une battle contre les garçons) des Jackson Five (Blame it on the Boogie), Vicki Sue Robinson (Turn the Beat Around), Blackstreet (No Diggity) ou Europe (The Final Countdown). Étant donné le succès du film et de ses deux bandes originales (le second CD contient notamment le remix de La Roux vs. Agnès), une suite pour 2015 serait déjà en préparation avec Rebel Wilson.

Philip Pick

Regarder la bande annonce de The Hit Girls de Jason Moore (2013)

]]> http://www.ricketpick.fr/2013/05/09/film-critique-the-hit-girls-de-jason-moore/feed/ 0 http://www.ricketpick.fr/2013/05/09/exposition-critique-ron-mueck-a-la-fondation-cartier/ http://www.ricketpick.fr/2013/05/09/exposition-critique-ron-mueck-a-la-fondation-cartier/#comments Thu, 09 May 2013 01:14:16 +0000 Rick et Pick http://www.ricketpick.fr/?p=7201

Après le succès de l’exposition qui lui a déjà été consacrée en 2005 à la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, Ron Mueck y est de nouveau invité, suscitant la même excitation et la même curiosité. Neuf de ses œuvres, dont trois spécialement conçues pour l’exposition, jalonnent un parcours de « l’hors-norme » qui se ponctue par un passionnant documentaire de Gautier Deblonde, 52 minutes sur l’artiste au travail. Il n’y a pas à hésiter : Mueck est suffisamment rare pour ne laisser passer la chance de se confronter à la démesure, car, de toute évidence, le travail de l’artiste australien est fait pour être vu, et non pour n’être que parcouru sur des photographies en papier glacé !

Paradoxe. Il n’y a rien d’hyper-réaliste dans les œuvres de Mueck, elles sont au contraire fondamentalement ancrées dans un réalisme naturaliste et social universel (scène de la vie quotidienne, description subtile des imperfections de la société, évocation des légendes et peurs primales de l’enfance…) ; elles s’enracinent aussi dans un souci du détail permanent. Mais ce « détaillisme » qui marque définitivement le travail de Mueck depuis ses débuts dans les années 90 (sa première exposition Sensation en 1997) est pourtant balancé avec radicalité par un contournement du rapport à la norme qui bouleverse notre lien à la réalité : en cela, Mueck est l’artiste d’un réalisme détourné, qui provoque chez le spectateur un choc de la raison plus que de l’émotion. Les limites de l’identification sont en effet repoussées, l’échelle sans cesse étirée et le silence de ces êtres quasi-semblables questionne en permanence notre rapport au monde et bouscule les certitudes. La froideur qui se dégage pourtant des créations et la contradiction émanant de l’opposition entre l’extrême humanité physique des œuvres et leur absolu manque de vie provoquent chez certains une réaction de rejet franche… Mueck, c’est aussi la démesure des réactions !

Couple Under An Umbrella - 2013 - 300x400x350cm

Trois nouvelles œuvres sont exposées : commandées par la Fondation Cartier, l’artiste a mis un an et demi à les livrer. Le « sculpteur »  travaille lentement (et dans le même silence qui enveloppe d’ailleurs ses œuvres, comme le montre le long documentaire de Gautier Deblonde, que vous ne manquerez pas pour comprendre comment l’artiste crée). Exposée en rez-de-chaussée, l’immense Couple Under An Umbrella plonge d’emblée le spectateur dans la subtilité des œuvres de l’artiste australien. Parfaitement scénographiée (l’œuvre, présentant un couple en tenue de bain sous un parasol, est placée au centre de la grande salle, comme sur une vaste étendue de sable, au milieu d’un immense puits de lumière, que laissent entrer les grandes baies vitrées de la Fondation, tel un soleil de vacances estivales), Couple Under An Umbrella suggère l’infini tendresse d’un couple après des années de vie commune : dans ces regards durcis par la vie et le temps, rien ne laisse deviner l’affection qui unit ces deux êtres. Leur sortie à la plage parait rituelle… autant que la tendresse qui s’exprime, malgré tout, par le contact de leur corps (isolez votre regard sur le main droite de l’homme). Par cette première rencontre avec les œuvres de Mueck, le spectateur est averti : la lecture des scènes évoquées par l’artiste se fait en deux temps. Après un premier contact attaché à la démesure, il faudra puiser dans les subtilités des rapports humains et dans la complexité de l’âme pour s’approcher au  mieux de ce qui est raconté.

Young Couple - 2013 - 89x43x23cm

Young Couple, une autre des créations de Mueck pour l’exposition, en est l’exemple même : vous n’oublierez pas de contourner les amants pour mieux les observer ; votre première impression (lorsque vous les avez vus de loin) glissera de toute évidence vers un sentiment plus ambigu. Au rez-de-chaussée, la dernière des nouvelles  créations, Woman with Shopping, montre bien plus qu’une femme revenant du supermarché : la réalité sociale transpire de cette représentation du quotidien. Ici, la présence du bébé n’apporte aucun apaisement, contrairement aux attentes, et le regard fixe et ignorant de la mère, dont la dureté n’a d’égales que la lourdeur des sacs qu’elle porte et celle du nouveau-né qu’elle « cache » presque machinalement, évoque aussi bien la difficulté des femmes élevant seules leur enfant que l’absence des pères, ou la précarité de certains foyers . La douceur du lien mère/enfant se transforme en dureté et la légèreté du plastique devient lourdeur : les rapports sont inversés.

Image extraite du documentaire "Still Life : Ron Mueck at Work" de Gautier Deblonde

Tout au long du parcours (forcément bref, l’exposition ne comprenant que 9 œuvres) des médiateurs sont là pour répondre à vos questions. Devant chacune des « sculptures » de silicone, vous n’aurez qu’à tourner votre tête pour trouver un jeune homme ou une jeune femme répondant à votre désir de communiquer ou votre soif d’information, le tout avec professionnalisme (attention à ne pas dépasser les limites imposant une distance avec les œuvres, les médiateurs sont très vigilants !)

Woman With Shopping - 2013 - 113x46x30cm

Avant d’aller vous confronter au monde réel, prenez le temps de la réflexion dans les jardins de la fondation, délicieusement reposants et propices au  questionnement post-expo. Comme vous aurez terminé l’exposition par le long documentaire de Deblonde, expliquant  silencieusement, par le détail et l’image, le travail de l’artiste, et invitant le regard à creuser ce qui est montré en surface (comme pour les œuvres de Mueck), vous aurez alors refait un tour rapide de toutes les pièces présentées, profitant aussi des plus anciennes créations, avant de partager vos impressions…

A ne pas manquer…

Rick Panegy

A la Fondation Cartier jusqu’au 29 septembre 2013. Plus de détail sur le site de la Fondation Cartier, ICI.

MASK II - 2002 - 77x118x85

Du 19 avril au 18 août 2013, le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris et le Centquatre consacrent une vaste rétrospective à l’artiste pop phare des années 80, Keith Haring. L’occasion de remettre enfin l’artiste à sa place : celle d’un homme engagé, militant, qui consacra tout son art à communiquer, à travers son langage « pictogrammes », sur ce qui le révoltait. Justice sociale, racisme, oppression, domination, Sida, capitalisme, médias et consommation…, Keith Haring n’est pas l’artiste qui se résume à des « bonhommes rigolos » sur des mugs ou des T-Shirts, contours simples et couleurs vives qui se déclinent sur tout et partout. Le MAM expose ses toiles, quelques dessins et quelques sculptures ; des grands formats (dont le fameux The Ten commandments) sont exposés au Centquatre.  A ne pas manquer !

L’exposition, intitulée à juste titre The Political Line est riche, conséquente et, ipso facto, incontournable : il s’agit là d’une des plus grandes rétrospectives consacrées à l’artiste, décédé en 1990 du Sida, fléau qu’il décrivit dans ses dernières œuvres à travers de nombreuses toiles, luttant ainsi contre le silence. Au MAM, les œuvres sont classées en huit thématiques chères à l’œuvre d’Haring :

L’individu contre l’état ; Capitalisme ; Les œuvres dans l’espace public ; La religion ; Mass Media ; Racisme ; Ecocide, menace nucléaire et apocalypse ; Dernières œuvres. Sexe, sida et mort.

A travers ses toiles, parfois violentes, on reconnaitra un Keith Haring engagé, luttant contre l’omnipotence d’un état souvent oppresseur (symbolisé par le chien, récurrent dans ses toiles), et dénonçant le poids sclérosant de la Religion, qui limite la liberté et l’épanouissement individuel (des croix qui transpercent des corps), et qui a toujours été source de conflits. Il alertait aussi, à travers ses œuvres, sur l’effet lissant de la culture de masse et la limitation des « références » à une « élite » média (la télévision dessinée à la place du cerveau, le Mickey Mouse omniprésent, y compris sous les traits d’Andy Warhol). Il pointait du doigt la marchandisation de tout objet, de toute forme, et le règne sans partage de l’argent (le dollar dans ses toiles). Il criait au monde les ravages du Sida (le spermatozoïde à cornes), rompant ainsi avec le silence culpabilisant du monde. Il protestait violemment contre le racisme, les racismes, ceux qui, sous toutes formes, stigmatisaient la différence (des corps enchainés, émasculés…)

Keith Haring est l’image même de l’artiste engagé et militant, quasi-politique. Hélas, il fut aussi l’un de ceux qui fut « récupéré » par ce qu’il dénonçait lui-même : la marchandisation, le capitalisme, le dollar… Depuis des décennies en effet, ses graphismes envahissent les boutiques sur des produits dérivés en tout genre, rendant les protestations de l’artiste bien peu lisibles (un bonhomme ici ou là, et c’est tout)  : quand Haring (son œuvre) fait partie de ce qu’il dénonçait lui-même, le paradoxe confine au malaise… Haring lui-même n’en est hélas pas complètement innocenté : il fonda son Pop Shop en 1986 sur Lafayette Street, permettant ainsi au capitalisme de pénétrer son art… Il voulait que son art puisse être accessible à tous, il avait malheureusement poser la première pierre de l’édifice « dollar » autour de ses œuvres… Au même titre qu’il dénonçait l’influence de l’argent, il dénonçait l’impact du mass media, la culture de l’écran, envahi d’élite de « stars » qu’il fréquentait pourtant régulièrement (ses amitiés avec Warhol, Madonna, Grace Jones…)

L’exposition, riche et complète, et particulièrement bien organisée (un parcours thématique de toute intelligence, dont une salle surprenante en lumière noire, rendant la peinture d’Haring encore plus « transperçante ») est sans aucun doute le passage obligé pour tout amoureux de l’art mais aussi, et surtout, pour le quidam qui ne pense jusqu’à présent connaitre d’Haring que couleurs et bonhommes en fêtes, image erronée au combien présente chez beaucoup d’individus : c’est ici l’occasion de défaire cette impression et de redonner enfin à l’artiste sa véritable identité d’homme militant, habité par l’obsession de la réaction, au-delà de son obsession pour le dessin…

Rick Panegy

 Au MAM (Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris) , et au CENTQUATRE,  jusqu’au 18 août 2013.

Pour Iron Man 3, après deux premiers volets réalisés par Jon Favreau (qui interprète Happy Hogan dans la saga), les studios Marvel ont fait appel au réalisateur Shane Black (Kiss Kiss Bang Bang, 2005). Cette suite des aventures du milliardaire philanthrope Tony Stark, alias le super héros Iron Man, et qui s’insère directement à la suite du film Avengers de Joss Whedon, est une véritable réussite. Les scènes d’action du film s’enchainent rapidement, laissant peu de temps morts au spectateur dans un crescendo visuellement spectaculaire, maitrisé et jubilatoire pour atteindre son paroxysme final en forme de feu d’artifice. Une aventure bien ficelée où Robert Downey Jr., qu’on retrouve une nouvelle fois avec plaisir, porte, avec toujours autant de panache et d’humour noir, les nombreuses versions différentes du costume du justicier d’acier. Ce foisonnement d’armures répond a la question centrale du film: Qui est Iron Man ?

La réponse se révèlera par le biais des différents personnages qui revêtiront les puissantes armures (qui se télécommandent désormais à distance également).  Qu’il s’agisse de l’armure d’Iron Patriot (Don Cheadle) ou celles de la collection du milliardaire portées tour a tour par Pepper Potts (Gwyneth Paltrow), le méchant Aldrich Killian (Guy Pearce) ou encore le Président des États-Unis (William Sadler), personne n’égalera jamais Tony Stark, le cœur et l’esprit qui alimente la machine. Dans ce jeu des identités on se plaira également à découvrir la double performance de Ben Kingsley en méchant Mandarin, miroir d’un Oussama Ben Laden marionnette créée par son propre bourreau pour détourner l’attention et cacher l’identité de plus méchant encore.

Shane Black serait actuellement sur le projet d’adaptation américaine du manga culte Death Note, une perspective plutôt rassurante à la vue de cet Iron Man 3.

Philip Pick

Regarder la bande-annonce du film Iron Man 3 (2013) de Shane Black

Sur la scène, deux balances et deux plateaux de sable, comme deux karesansui sur lesquels les danseurs de Sankai Juku  vont exprimer, au delà de la contestation liée à l’art du Butô, toute l’harmonie et la disharmonie de l’humanité, sa renaissance perpétuelle, telle un cycle, et l’indéfini mouvement, au-delà des âges et du temps, de l’existence autour de la Terre… Tout au long du spectacle, aussi, un mince filet de sable s’écoule du plafond jusqu’au sol, comme pour mieux signifier l’universalité, synchronique et diachronique, de ce qui se déroule sous nos yeux…

Ushio Amagatsu, fondateur et chorégraphe de la compagnie Sankai Juku en 1975, continue avec sa dernière création d’exprimer un Butô apaisé : ici, sept tableaux se succèdent, chacun mis en valeur par une couleur (magnifiques lumières de Genta Iwamura) et une musique (belles compositions de Takashi Kako, Yas-Kaz et Yoichiro Yoshikawa), entre sérénité, consolation, joutes ou éclosion.

Le spectacle, Umusuna exprime en même temps la renaissance continue de l’être et son rapport à la terre, au sol. Tiré des deux idéogrammes Umusu (naître, commencer sa vie) et Na (la terre, le pays…), le spectacle du maître japonais bouleverse autant qu’il adoucit les angoisses quotidiennes : à travers l’expression rituelle des corps des sept danseurs, alternant entre une quasi nudité recouverte de sable sec et les costumes expressifs de Masayo Lizuka, se dessinent les  » mémoires d’avant l’Histoire « , quand le corps, physique et matériel, se désincarne de toute sa carapace charnelle pour parler, dans une langue universelle, de l’éternelle naissance de l’Homme face à son Monde, jusqu’à trouver, indéfiniment, l’équilibre, comme un écho à sa folle arythmie.

Ushio Amagatsu lui-même, affirme : « Je veux penser que la danse commence dans le processus qui précède la naissance, et même plus avant, dans la répétition d’une évolution qui prit des centaines de millions d’années. » Le spectateur, lui, ressort de la salle épuré de tous les maux, en harmonie avec le monde terrestre qui l’entoure… La calligraphie des corps de Sankai Juku dessinent peu à peu l’équilibre incontournable de l’esprit et de l’univers, comme pour partager avec celui qui regarde, tel un don, l’essentielle conscience du monde.

Rick Panegy

Au Théâtre de la Ville, Paris, du 2 au 11 mai 2013 (accédez au site ici)

Notre note :